Articolo di Vogue Runway
Traduzione di Flavia Stefanelli
Vivere la moda in digitale non è una novità: Helmut Lang ha inviato un CD-ROM nel 1998, Style.com è stata fondata nel 2000 e Alexander McQueen ha organizzato il primo live streaming nel 2009. Ma una settimana della moda esclusivamente digitale senza il caos e gli eventi fisici sono un nuovo territorio per l’industria. Negli ultimi due mesi, Vogue Runway ha fatto una cronaca dei molti modi in cui i marchi stanno reagendo, dalle riviste di moda minimal, ai video artistici e streaming di 12 ore a eventi “phygital”. Ora, quando volgiamo lo sguardo a settembre, dove fisico e digitale continueranno a fondersi a New York, Londra, Milano e Parigi, il nostro cast di critici condivide alti, bassi e sfide di una settimana della moda virtuale.
Sarah Mower, critico principale
L’ho già detto prima: sembra che la presentazione della moda stia subendo un grande cambiamento come a Hollywood quando si passava dai film muti ai talkie. Una cosa che la pandemia ha fatto è costringere i direttori creativi a essere ancora più creativi su ciò che vogliono dire tramite il loro lavoro. Con l’intero (limitato) playbook di incontri in passerella e riprese glamour improvvisamente cancellati, la moda sta improvvisamente varcando la soglia di una nuova era di comunicazione, in cui potrebbero accadere cose molto più interessanti rispetto a quello che potrebbero trasmettere le modelle che camminano avanti e indietro davanti a una folla di persone sedute.
Non c’è modo di raggruppare Loewe, Balmain, Maison Margiela, Dior Men e Gabriela Hearst in un solo gruppo, ma in questo periodo difficile e fragile, ognuno di loro è riuscito a evocare emozioni, condividere convinzioni e concedere quei lussi più rari: l’involontario ha esortato a sorridere e ha concesso l’opportunità di pensare e imparare.
Il brillante spettacolo Balmain di Olivier Rousteing su una barca, #balmainsurseine, è sicuramente uno dei momenti più preziosi – di energia giovanile, sfida, gioia, euforia pubblica – che sarà ricordato ancora e ancora. È stato un momento (sarebbe banale dire che si è trattato solo di moda), in cui tramite Instagram si è potuto accedere al mondo di Balmain che testimonia come un giovane stilista francese nero ha sollevato gli spiriti di tutto il mondo con la sua perfetta combinazione di glam e pugni serrati sotto il sole parigino. La produzione ha avuto effervescenza e brivido, mostrando Rousteing come personaggio innamorato della moda e di Parigi, trasportandolo al centro di una gruppo generazionale che celebra la sua bellezza, potenza e talento. Intelligentemente, ha anche onorato l’eredità di Balmain inserendo (ed etichettando digitalmente) in un archivio l’elevato spettacolo di moda in barca.
Da uno spettacolo su una barca a uno spettacolo in una scatola: l’ingegnosità di Jonathan Anderson nel confezionare i suoi due spettacoli in forma di cartacea e averli inviati agli editori, ha suscitato la sorpresa di qualcosa che non era mai stata fatta prima. In primo luogo, le sue collezioni luxory per uomini e donne di JW Anderson sono arrivate come un insieme fisico di informazioni; poi la più grande produzione di un modello coperto di tela di iuta è arrivato da Loewe. Era qualcosa di meglio di una goodie bag: era da studiare e assorbire a un nuovo ritmo.
Anderson ha ampliato il potenziale in cui impieghiamo il modo e il tempo, possono allungarsi e approfondirsi con l’uso dei social media. Ha tenuto una serie di conferenze e dimostrazioni di Instagram Live 24 ore su 24 da parte di artigiani, una sorta di festival online al posto di quello che sarebbe stato uno spettacolo in passerella. È stata un’esperienza intellettuale e umana molto più ricca, che ovviamente è di libero accesso a livello globale.
Penso che abbiamo insegnato qualcosa sulla capacità di attenzione. Nell’iperspezione dei social media e nell’ondata di Fashion Weeks, si riteneva che tutto dovesse essere comunicato in pochi secondi. John Galliano è andato completamente contro questo concetto con il suo avvincente film di 50 minuti realizzato con Nick Knight, che ha catturato tutti gli strati di ricerca e sviluppo che sono entrati nella collezione artigianale di Maison Margiela. Invece di una sfilata, è diventata una forma di risorsa educativa online, progettata deliberatamente per ispirare i giovani e incoraggiarli a essere creativi.
Sì, c’è ancora un ruolo per i giornali di moda, in modo che tutti possano vedere chiaramente i vestiti (anche se quello sfocato ed etereo di Galliano sembrava intenzionato a infrangere anche quella convenzione.) Ma ora, c’è un uguale desiderio di spiegazione – un’opportunità per un direttore creativo come Kim Jones di rendere visibile la sua relazione con l’artista ghanese Amoako Boafo in un video e un’intervista girati con l’artista nel suo studio ad Accra. Non credo che su una cosa del genere, molti addetti del settore avrebbero avuto il tempo o la testa di prestare la massima attenzione alla scoperta del lavoro di Boafo in quel video se lo spettacolo fisico di Dior Men avesse preso il primo piano.
Sebbene fosse qualcosa di spettacolare vedere le passerella di Simon Porte Jacquemus in un campo di grano francese – tutte quelle ampie vedute aeree di droni – e provare l’emozione commovente mentre tre giovani tenori italiani cantavano dal vivo allo spettacolo maschile socialmente distanziato di Dolce & Gabanna a Milano, alla fine, questa stagione ha dimostrato che ci sono così tante altre opzioni, modi efficaci, convincenti e duraturi di catturare ciò che la moda è oggi. Coloro che hanno sperimentato i media per dire qualcosa di genuino e personale durante la pandemia – il video di Gabriela Hearst che guida con sua sorella in California e la sua onesta affermazione a parole sulla sostenibilità restano nella memoria – puntano sicuramente verso un approccio più aperto, futuro intelligente e progressivo per il modo in cui vedremo la moda da ora in poi.
Luke Leitch, collaboratore
Ci sono state un paio di esperienze della settimana della moda digitale che hanno aggiunto un valore reale ai loro equivalenti in tempo reale della settimana della moda. Lo spettacolo di burattini riflessivo ed esilarante di Mihara Yasuhiro è stato un altro. E Il lookbook 3D di Undercover indicava la gamification del business degli acquisti di moda, un altro esempio ancora.
Nel complesso, tuttavia, la mia conclusione – sebbene dalla prospettiva privilegiata di qualcuno che di solito arriva alle sfilate di moda fisica – è che mentre le risorse digitali possono essere complementari, non renderanno presto obsolete le sfilate di moda nella vita reale. La decisione di Rick Owens di mettere se stesso e Tyrone Dylan Susman nel suo lookbook del video è stata efficace, ma mentre ne discutevamo su un pre-stream Zoom, era difficile non lamentarsi del mancato spettacolo che Rick che ha sostituito . Inoltre: è stato un peccato che l’ultima collezione solista di Miuccia Prada sia stata ridotta a una serie di video che andavano benissimo ma sostituti inadeguati per quello che il suo ultimo spettacolo avrebbe rappresentato.
Ecco perché quando siamo arrivati a spettacoli reali, Etro e poi Dolce & Gabbana (più Jacquemus in seguito in Francia), è stato meraviglioso. I vestiti riguardano il contatto: come chi li indossa, li senti sulla pelle e come osservatore li elabori con gli occhi. La parte di osservazione può essere eseguita di seconda mano, ma l’impatto sarà sempre secondo alla cosa reale. Ho letto alcuni commentatori negli Stati Uniti che dicevano: “Troppo presto” o “Indossa una dannata maschera!” (cosa che ho sempre fatto), ma queste opinioni, sebbene abbastanza valide, mancano di prospettiva. Milano e la regione della Lombardia che ha attraversato ciò che New York ha fatto, ma prima. Attraverso una sagace gestione governativa molto più efficace di quella degli Stati Uniti, l’Italia è riuscita drammaticamente ad appiattire la curva nel resto del suo territorio. Questi spettacoli – proprio come la riapertura di voli, negozi, fabbriche e ristoranti – erano sintomatici di una ripresa che, lungi dall’essere data per scontata, è curata con vigilanza e apprezzata con gratitudine. Le settimane della moda digitale non sono state migliori di altre settimana della moda, ma come aggiornamento alla realtà? Nah.
Amy Verner, collaboratrice
Come tutti, ho perso gli spettacoli in senso esperienziale in questa stagione. Ma per la prima volta da quando ho iniziato a seguire le collezioni diversi anni fa, non ho perso un singolo marchio o contributo dello stilista alla settimana della moda di Parigi. Vale a dire, grazie alla piattaforma online di Fédération, sono stato in grado di guardare ogni nome dell’alta moda e sui calendari degli uomini. Questa convenienza on-demand del marchio – per non parlare del fatto che è stato risparmiato il mal di testa logistico di zigzagare in tutta la città – era piuttosto grande. Inoltre, tutto era puntuale, dai film al modo in cui abbiamo archiviato le nostre recensioni.
Mentre l’efficienza può essere soddisfacente, non è necessariamente eccitante. Alla fine, abbiamo dovuto accettare che il focus di questa stagione non sarebbe stato l’abbigliamento, ma piuttosto i marchi che trasmettevano una combinazione di identità, processo e valori. E in assenza di criteri standardizzati (mostrando un numero minimo di sguardi, specificando un intervallo di tempo), è stato interessante osservare quanto questi esperimenti si siano rivelati eterogenei: campagne quasi pubblicitarie rispetto a cortometraggi, visioni concettuali o fantastiche contro stile crudo e documentario.
In effetti, ciò che abbiamo visto la scorsa settimana è stato possibile solo attraverso il cinema. Sto pensando agli effetti speciali (i fiori pieghettati di Issey Miyake; l’avventura parigina animata di Louis Vuitton), la fotocamera e la padronanza del montaggio (i molteplici punti di vista nello studio di Rick Owens; l’azione dal vivo di Hermès; i trittici per lo styling di Y / Project; Le persone di plastica stop-motion di KidSuper) e le posizioni decentralizzate (il fiume di Reese Cooper come pista; Études per le strade del Belleville; Lanvin al Palais Idéal). E se quell’energia palpabile che infonde uno spettacolo dal vivo fosse impossibile da replicare, ho sentito un certo brivido nella narrazione e/o nell’emozione mentre guardavo Rabih Kayrouz, Dior Men, Thom Browne, Botter, Pigalle e Rhude, solo per citarne alcuni. Il “concorso di couture 2020 loveliness” di Viktor & Rolf si è rivelato deliziosamente meta, altrettanto rilevante e irriverente. La nostra chiamata Zoom in realtà sembrava un tempo di qualità rispetto ai nostri momenti nel backstage affrettati. Ma il momento più normale di tutti è stata la mia visita a Pierre Mahéo di Officine Generale nel suo showroom, anche se alla fine mi ha offerto maschere realizzate con tessuto per camicia (molto più bello delle mie versioni generiche, in ogni caso).
Per tutte le persone costrette a saltare la stagione, il merito che ha accompagnato i film questa settimana ha mostrato squadre che hanno saputo lavorato in circostanze straordinarie.
Tiziana Cardini, collaboratrice
Per anni abbiamo continuato a criticare le sfilate per il formato noioso e ripetitivo, pronto a scadere come una bottiglia di latte lasciata troppo a lungo nel frigorifero, o come una specie del Pliocene, già estinta ma per qualche motivo che ancora respira— una sorta di morto vivente. Bene, lo zombi si è dimostrato resistente – e deve ringraziare la pandemia. Lo smorgasbord di video che sostituiscono gli spettacoli dal vivo, non importa quanto artistico, intelligente e inclusivo, ci ha fatto sentire come se fossimo tutti colpiti da una forma di ADD, mettendo a dura prova le nostre capacità di attenzione. I sentimenti di frustrazione e di noia hanno spesso sostituito l’apprezzamento e il rispetto dovuti allo straordinario sforzo creativo che i designer hanno fatto, cercando di venire a patti con un mezzo immateriale per comunicare un’arte molto materiale: la moda.
Alla fine, è davvero così semplice: la moda riguarda i vestiti; i vestiti riguardano il corpo; il corpo riguarda i sensi. Per quanto portatori di significato e vettori di auto-espressione, i vestiti non sono solo rappresentazioni astratte di una visione creativa, per quanto innovativa possa essere. Riguardano la fabbricazione e l’arte che li fa prendere vita – un’espressione di creatività umana, molto tangibile, spesso superba. Pensa alla rilevanza della moda.
Ecco perché i migliori video (la Maison Margiela Artisanal di Galliano ovviamente mi vengono in mente, ma anche Dior Men e Gucci) erano, secondo me, quelli dei designer che si aprivano sul loro operato, rivelando non solo il loro genio visionario ma l’essere umano appassionato e lo sforzo collaborativo che porta a idee, non importa quanto astruse o iperboliche, nella realtà. Questo è anche il motivo per cui le sfilate IRL non saranno sostituite presto: alla fine creano un senso di comunità, non importa quanto disfunzionale e sfinito possa essere.
Da un punto di vista personale, dato che qui a Milano sono ancora osservati i protocolli e la distanza di sicurezza (le maschere sono obbligatorie all’interno, mentre indossarle all’esterno è recentemente diventata facoltativa), ho potuto rivedere di persona la maggior parte delle collezioni, incontrando i designer negli appuntamenti uno a uno. Sembravano tutti più che pronti a entrare nuovamente nel circuito delle sfilate non appena le circostanze lo consentiranno. E lo spettacolo Etro IRL è risultato totalmente sicuro per quanto riguarda le esigenze di salute e anche molto piacevole. È stato bello rivedere la nostra famiglia di moda, come potremmo dire di un fidanzato mite ma amato, “Né con te né senza di te”.
Steff Yotka, editore di notizie di moda
Avendo vissuto il 95% delle sfilate di moda con cui ho familiarità, sia per lavoro che per piacere, online, devo dire che non mi aspettavo che la settimana della moda digitale fosse così diversa dalla mia solita routine della settimana della moda. Siediti di fronte al mio laptop, fai clic su livestream, considera le immagini del book, ingrandisci per i dettagli, e cerca nei social media, rivelando ispirazioni, motivi e visualizzazioni alternative degli spettacoli. Una delle cose che mi è piaciuta fare in modo digitale è stata la possibilità di avere conversazioni più lunghe e approfondite con i designer con cui ho parlato su Zoom, i migliori, si sono avvicinati alle due ore circa. E mentre preferisco sempre vedere la moda di persona, come parte di una generazione nativa digitale che ha iniziato a viaggiare in Europa solo per gli spettacoli l’anno scorso, mi sono abituata a scrivere e pensare criticamente a cose che non ho mai visto di persona.
Mentre i miei colleghi sottolineano che le sfilate riguardano gli abiti – che devono essere al centro – per migliaia di fan e follower, gli abiti stessi non sono che un sogno lontano. Ciò che promuove la moda online è il suo messaggio: che cosa rappresenta questo marchio? Con chi collabora? Che valore ha?
Con questo l’industria della moda deve fare i conti. Guardare così tanti film di moda senza uno scopo o un messaggio chiaro mi ha fatto girare la testa. Per molto tempo, la logica è stata facile: sarebbe troppo difficile far volare le persone dall’esterno della comunità della moda fino al quartier generale di un marchio, quindi sono state mantenute le collaborazioni interne. Ora, tutto potrebbe essere possibile con la tecnologia: perché non invitare nuove voci? Dior Men ha mostrato una bellissima collaborazione con l’artista Amoako Boafo; Prada ha realizzato film interessanti con tre artisti meno noti (almeno nella moda) oltre a due fotografi citati; e Thom Browne e Moses Sumney hanno collaborato a un cortometraggio realizzato ad Asheville, nella Carolina del Nord. Sembravano opportunità eccitanti che allargavano i circoli del sistema moda. Tutti hanno anche adorato lo “spettacolo in una scatola” (sì, ace idea!), Ma quello che mi è davvero piaciuto è stato il live streaming di 24 ore che ha mostrato persone nell’universo Loewe da tutto il mondo: gli artisti e gli artigiani in Spagna, Giappone, Inghilterra e Stati Uniti che rendono reale la visione di Jonathan Anderson.
Questa è l’altra cosa che è piaciuta a molti della settimana della moda digitale che ho trovato un po’ carente. Rivelare il funzionamento dietro le quinte di un marchio è interessante, e mentre nessuno ha fatto meglio del fantastico film di Maison Margiela di Nick Knight, c’è qualcosa di un po’ inquietante per ciò che viene mostrato e ciò che è nascosto. Anche “staccare il sipario” può sembrare un P.R. ben articolato, mostrando solo il fascino e nascondendo la bruttezza, lo stress e la mania che la moda contiene. Osman Yousufzada è stato l’unico designer a includere gli operai di fabbrica come parte di qualsiasi contenuto in questa stagione; il suo video girato in Bangladesh ha chiesto agli operai della fabbrica di immaginare le donne che avrebbero indossato i vestiti che producono. Un bel video BTS è solo una parte della storia vera di come è fatta la moda.
In molti modi, questa stagione sembrava più un dettato che un dialogo. La parte più eccitante del guardare le vere Fashion Week che si sono svolte online prima della pandemia era riuscire a mettere insieme le varie prospettive di uno spettacolo dalle persone che erano lì: un’immagine a 360 gradi compilata dalle recensioni della critica, influencer e i loro post sui social media, feed Twitter dei giovani giornalisti, backstage del fotografo e immagini street-style e scatti di modelle, stilisti, truccatori e parrucchieri, oltre a tutto ciò che senti sul retro di un taxi (o in una chat di gruppo) tra gli spettacoli con amici, colleghi e sconosciuti. Avere tutte queste voci insieme, condividere le proprie opinioni su un evento dal vivo, ha reso la settimana della moda interessante.
La conversazione sulla moda è importante tanto quanto gli abiti stessi, e in questa settimana digitale, sembrava che la maggior parte degli argomenti su cui discutere fosse il messaggio che i marchi ci vendevano. Il numero di persone che hanno accesso ai designer, agli spettacoli fisici, agli abiti stessi e a ciò che sta realmente accadendo dietro il sipario è ancora abbastanza piccolo – forse più piccolo che mai, considerando quelli che erano spettacoli una volta di cento persone ora sono pannelli Zoom con solo una dozzina di redattori. Spero che quando torneranno le riunioni dell’IRL, continueranno gli spettacoli digitali e l’accesso e la capacità di far parte della conversazione saranno più condivisi e democratizzati.
Nicole Phelps, regista, Vogue Runway
Zoom potrebbe essere il grande successo, ma mi è sembrato subito chiaro che non è un degno sostituto di una visita in studio nella vita reale. Il display fuzzy è abbastanza inutile per mostrare i dettagli. Mentre passavo in rassegna le anteprime video di un mese, mi sono meravigliato di come i designer sono riusciti a costruire le loro collezioni praticamente in questa stagione. Deve aver richiesto straordinaria pazienza e determinazione, per non parlare della fiducia nelle loro squadre. Mi ha fatto rispettare, ancora di puù, il lavoro svolto e la cura che è stata messa nel farlo.
Spero di poter tornare alle riunioni faccia a faccia in autunno. Tuttavia, le chiamate di Zoom hanno fornito un nuovo tipo di connessione con i designer che ho intervistato: a causa della novità dell’esperienza personale e degli estremi di quella globale, sono state le conversazioni più schiette sulla moda che io abbia mai avuto – non proprio sulle sfide che l’industria sta affrontando, ma anche sulle gioie del fare. Alessandro Michele ha detto di “sentirsi di nuovo un bambino” quando è stato finalmente in grado di tornare al quartier generale di Gucci. Quando torneremo alla vita reale, mi mancheranno queste chat.
Mentre settembre si avvicina e sembra sempre più probabile che Milano e Parigi mettano in scena spettacoli dal vivo – più piccoli e meno grandiosi, ma ancora dal vivo! – è un vero colpo sapere che come americano probabilmente non potrò partecipare. (L’Unione Europea ha bandito i viaggiatori dagli Stati Uniti per motivi di salute.) Quindi spero che i designer mantengano le lezioni che ha dato la quarantena sia quando creano i vestiti sia per contenuti digitali che stanno diventando altrettanto importanti in tutto questo. Intimità, autenticità, vibrazioni positive, valore dell’avere valori: queste sono le cose che contano.
